URBe

HPP 2007
fotos: Joca Vidal

E lá se foi o Humaitá pra Peixe 2007. Numa edição que sofreu os reflexos da fraca safra de novidades de 2006, o HPP mais mapeou a cena do que apresentou novos talentos, dando espaço para algumas das diversas vertentes culturais que se espalham pela cidade.

No novo formato, com shows nos finais de semana, o festival recebeu um público diferente do habitual. Não que antes, quando os shows eram às terças e quartas, fosse muito diferente, mas a ausência de gente das ditas grandes gravadoras e veículos de imprensa ficou ainda mais óbiva dessa vez. O desinteresse pelo novo chega a ser engraçado, não fosse trágico.

Quem pensava que o Brasov seria imbatível e levaria fácil o título de melhor show do HPP 2007, se enganou. O Móveis Coloniais de Acaju chegou atropelando — o que era até previsível — no final de semana de encerramento, com uma programação mais próxima da cara do festival.

Duplexx

Na sexta, o Duplexx criou um clima de ficção científica, prejudicado por problemas técnicos no próprio equipamento. Alguns curiosos ficaram pra conferir as estranhezas eletrônicas da dupla, mas grande parte preferiu esperar do lado de fora.

Difícil dizer se foi falta de ensaio ou de proposta, mas tudo soou um tanto frouxo. A guitarra e bateria ao vivo não acrescentaram muito, ao contrário dos metais, notadamente o trombone, que ajudou a amarrar os ruídos gerados pelos sintetizadores. Timbres e programações legais apontam para um caminho que pode ser interessante, principalmente quando se souber que caminho é esse.

Vulgue Tostoi

Ultimamente parece que toda banda extinta está voltando à ativa, por um show apenas ou para retomar a carreira. São tantas que chega a confundir. Afinal, quanto tempo uma banda precisa ficar afastada para se caracterizar uma reunião? Nessa verdadeira volta dos que não foram, o Vulgue Tostoi se apresentou no festival onde havia estado em 2000.

Jr. Tostoi tem se destacado como guitarristas de apoio de Lenine, assim como Guila, também baixista do Vulgue. Tecnicamente muito boa, a banda se perde em referências pouco disfarçadas. Dá pra ouvir um Jane’s Addicition e seu “Ritual de lo habitual” numa introdução em espanhol, AC/DC em riffs que lembram “Thunderstruck” e Mogwai, no clima soturno presente em quase todas as músicas, mesmo na pegada reggae de uma delas.

Turbo Trio

Apesar da presença de BNegão nos vocal, o Turbo Trio, que conta também com Tejo Damasceno (Instituto) e Alexandre Basa (ex-Mamelo Sound System e produtor do disco do Black Alien), é presença rara no Rio.

Abrindo a última noite do HPP 2007, o combo provou que o lugar deles é mesmo por aqui. Misturando Miami bass, baile funk, ragga e muita pressão nos graves, por vezes lembrando o Apavoramento Sound System, o Turbo Trio começou com “Terremoto”, cuja letra dá um passo além de “Rio 40 graus”, de Fernanda Abreu: “Riô 50 graus / quem não aguenta passa mal”.

Entre as participações virtuais de Deise Tigrona e trechos de Tim Maia (“Energia racional”), o vocal agressivo de BNegão deixa pouco espaço para as excelentes bases, o que pode dificultar o sucesso do projeto nas pistas, ao mesmo tempo que pode fortalecer o trio num baile. Já passa da hora, aliás, desse intercâmbio deixar de ser de mão única e artistas influenciados pelo funk se apresentarem nos bailes, devolvendo algumas referências para o batidão.

BNegão cantou a sua “Dança do patinho”, enquanto o telão mostrava trechos de “Rize”, documentário sobre uma dança, o krump, dirigido pelo fotógrafo David Lachapelle. Um remix de “Do robô”, outra do repertório do Seletores de Frequência, teve sample de “Big in Japan”, do Alphavile. Tomara que não demore mais um ano para o Turbo Trio retornar ao Rio.

Móveis Coloniais de Acaju

Móveis Coloniais de Acaju. Isso lá é nome de banda? Pra esse ter sido aprovado, imagina o que não ficou de fora. A falta de preocupação em soar moderninho e bacanudo, desde a decisão pelo nome da banda, é justamente o motivo do Móveis soar… bacanudo, moderninho e, sobretudo, relevante.

A desprentensão com que o Móveis Coloniais de Acaju mistura ska, samba, rock, samba-rock, sonoridades de big band dos anos 50, sem soar referencial ou respeitoso demais, é o segredo da banda. O clima de encontro de amigos (nada menos que 10!) pra tocar parece sincero, resultando num som com o frescor que se espera de todas as bandas novas.

Não foi a primeira vez dos brasilenses por aqui, ainda assim a recepção quase histérica do público foi além da melhores previsões. Sem se espantar com nada disso, os integrantes continuaram tranquilos, literalmente desviando dos confetes e serpentinas jogados pelos fãs para fazer um show histórico.

O Móveis é uma banda de palco. Embora sejam as músicas tocadas sejam as mesmas presentes no único disco gravado até hoje, “Idem”, a bolacha não consegue captar a catarse que são os shows do grupo. Será necessário um produtor muito competente pra fazer essa transposição.

A banda toca no meio do público

Além das músicas do disco de estréia e de algumas inéditas, o Móveis ainda encontrou espaço para versões de “Glory box” (Portishead), e de “Um, dois, três, quatro” (Little Quail and the Mad Birds), crássico alternativo dos anos 90, que contou com a participação do autor, o também brasiliense Gabriel Thomaz, hoje no Autoramas.

Gabriel aproveitou para anunciar que lançará pelo seu selo, Gravadora Discos — além de um compacto do Bnegão e os Seletores de Frequência e do novo disco do Autoramas — um EP intitulado “Vai Thomaz no Acaju”, como integrante da banda.

Por falar em BNegão, o MC deve ter batido o recorde de canjas em um só HPP. Depois de subir ao palco com A Filial, Curumim e com o próprio Turbo Trio, o rapper participou da versão de “Se essa rua fosse minha”, subvertendo o refrão e cantando”Se essa rádio, se essa rádio fosse minha / Eu botava o Acaju pra tocar / Se essa rádio, se essa rádio fosse minha / Não ia ter, não ia ter nenhum jabá“.

Ainda deu tempo de tocar “Copacabana”, que era pra ter sido a última. Porém, atendendo aos pedidos não só da platéia, assim como da própria banda, a produção liberou a saideira, com “E agora, Gregório?”.

Nem precisa perguntar pro tal Gregório. O futuro do Móveis Coloniais de Acaju está bem claro.

Aproveitando o sucesso gigantesco lá fora da versão de “Mas que nada”, do disco “Timeless” de Sergio Mendes, produzido por Will.I.Am, escrevi uma matéria (3 páginas) sobre a mistura de samba e hip-hop que rolam por aqui para edição de dezembro da revista americana URB.

Rappin’ Hood, Instituto, Mario Caldato, Leandro Sapucahy e, claro, Marcelo D2, estão na matéria. Assim que a revista estiver fora das bancas, reproduzo o texto aqui.

–

Paths Crossed :: Samba has always been a voice of the Brazilian people. When it meets rap, these artists make it shout
By Bruno Natal
03/29/07 :: URB 142

There’s more to the summer hit “MAS Que Nada,” taken from Timeless (Brazilian Bossa Nova pianist Sergio Mendes’s album, produced by Black Eyed Peas’ Will.I.Am) than the average listener would know. The explosive samba-rap track is just the visible tip of something that has been going on in Brazil for quite some time now.

Although, at first, samba and rap might seem far away-not only geographically-the two genres share a lot. Both are types of black music and both were also born in the poorest parts of town in their mother countries. While rap was created in the ghettos of New York, samba (in its better-known form) arose in the beginning of the 20th century from African rhythms in the favelas, as Rio de Janeiro’s slums are known worldwide. That’s the very same place where baile funk, the most recent case of Brazilian sounds going international, comes from.

This background plays a crucial role in the mix- ture that has come, some 100 years down the line. Even though it later evolved into many sub-genres, including sophisticated styles like bossa nova, samba has always had a tradition of speaking about social issues. And that’s where the two styles make contact.

Rio-born rapper Marcelo D2 (who makes guest appearances on Timeless), one of the most prominent artists and certainly the most popular to blend the two musical styles in Brazil, explains that “as it spread throughout the world, rap became the ghetto music of every place it reached. You can learn about Paris or S„o Paulo by listening to the rap made there. Samba is also like that. Getting the two of them together is the key to achieve an original form of Brazilian rap.”

Another big name in the game, Rappin Hood, hails from S„o Paulo and agrees. “I’m a fan of roots samba, Martinho da Vila, Fundo de Quintal, Dona Ivone Lara, Roberto Ribeiro. I like samba with political contents.” D2 proceeds, “Apart from Rappin Hood and I, not many people are doing this in Brazil. Xis and KL Jay have a killer track, ‘A Fuga,’ where they sampled a classic Originais do Samba song. If you make a top five of samba-influenced rap music, this one will be there.”

These two might be the most famous samba-hop rappers, but they are not alone. Samba has always been a major influence on every music style in Brazil and it isn’t different with rap. Names like the late Sabotage or Z’África Brasil have also made attempts in this area, produced by S„o Paulo’s Instituto crew.

Part of Instituto, one of the most respected beat-making crews in the country, Tejo Damascendo thinks, “Any mix of rhythms ends up bringing some- thing new. In this case, it adds a Brazilian flavor to hip-hop while revitalizing samba as well.

“Since I released my first solo record, in ’98, I aim my music at samba. I was tired of the samba and rock mixture I had in my first band, Planet Hemp. When I discovered this mixture, it refreshed my life.” Marcelo D2 adds, “One thing I’ve learned from samba is to value the melody. Just like funk gave rap the ‘same beat’ principle, samba can give melody, the most important thing.”

Funny enough, it was an American-produced tune that first brought Marcelo’s attention to the possibilities of mixing samba and rap. “It was in Pharcyde’s ‘Otha Fish,’ produced by J Dilla. The first time I felt this in my own sound was during the mix of a song called ‘O Bicho T· Pegando,’ from Planet Hemp’s second album, produced by Mario Caldato. We talked about it non-stop and on that day I decided to make a record just with hip-hop beats and samba percussion.”

Marcelo D2′s long-time partner, Caldato, is behind it all. Born in Brazil (before moving to the U.S. during his childhood), not only has he produced two of Marcelo’s solo albums-A Procura da Batida Perfeita (In Search of the Perfect Beat) and Meu Samba È Assim (My Samba Is Like This)-plus the best track on his debut, Eu Tiro È Onda (slang loosely translated as “I’m the Man”), “Batucada”-he also produced today’s samba diva Marisa Monte’s most recent one.

Even under so much samba influence, Marcelo has no doubts about his job title. “I’m a rapper, but it seems that, nowadays, rap is going through some strange paths. To say that you’re a rapper means you do the same thing 50 Cent does. That’s not what I’m like. I’m more like Mos Def or KRS One.”

Respectfully, Rappin Hood goes further. “How could I come up to legends such Arlindo Cruz or Zeca Pagodinho and tell them I’m a sambista? They are the ones that dominate this art.”

“I think hip-hop is an open door to many different cultures. Samba and bossa are a perfect and natural blend that works great, just like jazz with bossa nova and samba,” Caldato observes. It’s true. The influence works the other way around and hip-hop culture is also influencing samba.

“Samba lyrics became somewhat unrefined and loose through the ’90s. The mixture with rap can help improve the quality, encouraging writers to go about political issues,” according to Leandro Sapucahy, a samba singer-producer who released his first album as an artist this year. “I made a samba record with rap influences. What I sing about is not what you usually hear in samba nowadays. Instead of romantic lyrics, I decided to talk about rougher subjects.”

The rappers believe that one thing complements the other. For D2, “What was lacking in samba [today], what rap is appropriating from it, is that samba has always been the voice of the people. During the ’90s, a commercial-oriented type of samba called pagode came up and roots artists disappeared and those who wanted true music embraced rap. Hip-hop attitude can help samba give a step forward and communicate with the kids again.” As for Rappin Hood, “The evolution of samba will come from samba itself. What rap does is bring back the challenging aspects of the lyrics, talking about the favelas.”

The international attention hip-hop and samba gained with “Mas Que Nada” divide the opinions. Rappin Hood is cynical. “This has happened before, with bossa nova. The foreigners come here, discover a new flavor and take it. The true inventors deserve recognition, too, not just those who are part of the industry. I’m not against it; it helps to popularize the style. What’s wrong is to only talk about those who have major labels’ money behind them.”

More optimistic, Marcelo D2 sees this in a natural way. “Will.I.Am has been doing this for quite some time now; Black Eyed Peas’ first album has Jorge Ben’s samples. In a way, his success was good for me. When I go to play abroad now, people have more respect, because they know where I’m coming from. His song is playing like crazy. . .I heard it in a taxi in Finland!”

Confident in the power of samba, Tejo sees the bright side in all this. “Because it exists longer, it helps rap more than the opposite, bringing melody, swing and, most of all, joy-something rare in hip-hop. On the other hand, rap brings a new audience to samba, especially those who only listen to foreign artists and [who] now perceive, through this mixture, that there is a lot of good stuff in Brazilian music, too.”

Marcelo has a story to illustrate this. “I see kids that you never guess would like samba, singing in my concerts, having fun. Today’s youth is more inclined toward rap than samba, so this mixture can help get them interested in samba. The other day, an eight-year-old kid told me at the airport that he started listening to Jo„o Nogueira’s music because he heard me talking about it so much. I thought this was great!”

Hopefully, this cycle will continue and the information exchange will move on. There’s only one thing that can come out of this: more good music.

O Mamelo Sound System, sob o comando de Rodrigo “Audiolandro” Brandão, chamou alguns amigos para remixar seu segundo disco, “Urbália”.

O resultado é Operação: Parcel ou Remixália, disco com versões alternativas riscadas por Hurtmold, Tejo (Instituto), Parteum e Basa, entre outros. Parece bom.

Abaixo, o release que escrevi para o disco de estréia do Echo Sound System.

—————-

Formado pelos produtores Pedro Dubstrong (DJ da Chocolate Crew e conhecido por suas mixtapes), Gustavo Sola e pelo o multi-instrumentista Gustavo Veiga (metade da dupla Veiga & Salazar), o Echo Sound System não é (mais) uma banda de reggae, nem é apenas um grupo de hip hop; é um coletivo de produção com raiz nas vertentes jamaicanas, mesclando diversas influências.

“Do centro de SP mandando ver pro mundo inteiro / freqüências e efeitos em estéreo brasileiro”, diz Jimmy Luv em “Todos um”.

O trio apresenta suas intenções logo no nome. Inspirado na cultura dos sound systems e ecoando diversos estilos da música jamaicana, o Echo Sound System utiliza a tecnologia para promover o reencontro do reggae e do rap, dois gêneros nada distantes (afinal, os rappers são descendentes diretos dos toasters jamaicanos). De quebra, mostra como são extensos os espectros tanto do hip hop, quanto da música produzida na ilha enfumaçada.

O disco de estréia, “Tempo vai dizer” (ST2 Records), mixado por Ganja Man e Tejo (Instituto), combina esses vários estilos. Vai do rocksteady de “Só d’eu ver(de)” ao dancehall de “Vampire”, passando pelo dub (“Supamind dub”), pelo reggae (“Pas tester”), pelo rub-a-dub (“I & I”) até o hip hop (“Punanny”). Além de Veiga, responsável pelo violão, baixo, teclados, flauta e escaleta, o baixista Gema e o saxofonista Andres Salazar também tocam no disco.

Conhecer os sound systems jamaicanos é fundamental para compreender a importância do reggae para música mundial. Desde os tempos do ska, nos anos 50, até o dancehall dos dias de hoje, todas as noites, em alguma esquina de Kingston, potentes aparelhagens de som são montadas para animar festanças gratuitas ao ar livre. Essas festas ambulantes são a mais respeitada forma de propagação musical na Jamaica, servindo de campo de testes para novas músicas e cantores.

Naturalmente, há um espírito competitivo entre os sound systems para ver quem sai na frente nos lançamentos. Não por acaso, foi um jamaicano, o DJ Kool Herc, quem primeiro botou caixas de som nas ruas do Bronx. Depois vieram Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa e o resto é história.

Apesar do respeito pelo passado, “Tempo vai dizer” não soa retrô. A produção caprichada atualiza as referências, misturando umas as outras, resultando num som original.

“Echo Sound System, raiz com futuro”, como é dito na faixa “Pas tester”.

Isso fica claro nas espertas programações de bateria, nos timbres diferenciados e nas ambiências viajantes. Outro diferencial é o bom uso de efeitos diretamente emprestados do dub (como delays, ecos e reverbs), sem nunca soar exagerados ou fora de propósito. Os efeitos estão em todo o disco e não apenas em faixas como “Bom filho” e “Kaya monkeys (safari dub)”, onde a influência de dubmasters como Scientist fica óbvia.

As batidas de hip hop são sustentadas por linhas de baixo (“Leão de asas”) ou por samples de bateria de reggae setentista (“Pas tester”). Os reggaes, por sua vez, seguem o caminho inverso, aceitando elementos do rap. Os MCs Funk Buia (Z’África Brasil), Jimmy Luv e Arcanjo (Enganjaduz) e o francês Pyroman (Assassins), se revezam nos vocais, variando entre o discurso social, o divertido e o espiritual.
“Todos um”, um hip hop com um pé no dancehall, que já havia sido lançada em um compacto de vinil, em 2004, conta com Funk Buia no microfone. “Só d’eu ver(de)” estava no lado b da mesma bolacha, prensada no clássico formato 7 polegadas dos lançamentos jamaicanos. Enquanto Arcanjo dá “um minuto pra explodir” na potente “Inna babylon”, Jimmy Luv despeja sinceridade na quebradeira de “Replay”.

Na Jamaica, é comum diversos cantores fazerem versões da mesma música, criando novas letras e melodias utilizando bases musicais idênticas, lá chamadas de riddim. Seguindo essa tradição, em “Original style” Pyroman canta sobre “Stalag”, riddim eternizado por “Bam bam”, na versão de Sister Nancy.

Além dos colaboradores regulares do Echo, o jamaicano General Smiley, integrante da dupla Michigan & Smiley (conhecida por hits do dancehall do começo dos anos 80, como “Diseases” e “Rub a dub style”), também está em “Tempo vai dizer”. Mesmo sem intenção, a mistura de línguas internacionalizou o som, o que pode abrir uma frente para o Echo Sound System no exterior.

General Smiley conheceu o Echo Sound System através da página do grupo no saite My Space (www.myspace.com/echosoundsystem) e fez toda sua participação à distância. Sua parceria, de rachar o coco, com Funk Buia em “Rookie rock” (produzida em conjunto com o suíço Romanowski, do coletivo Future Primitive Sounds), é um dos destaques do disco. Na edição especial em vinil, a música ganhou um remix do Turbo Trio, projeto paralelo de BNegão, Tejo e Alexandre Basa.

Após 21 faixas, “Tempo vai dizer” não cansa. “Favorite song” encerra o disco num astral tão bom que faz o ouvinte desejar que as vinhetas fossem músicas completas, só pra ter mais um gostinho. Ou então, que o CD fosse um vinil, pra poder virar o lado e continuar escutando.

Matéria de capa sobre baile funk que escrevi para revista americana de música eletrônica XLR8R.

——-

The Funk Phenomenon
From the suburbs to the hills of the favelas, the history of the contemporary soundtrack of Rio de Janeiro

“It’s a black sound/from the favelas/but when it’s playing/no one stands still” – Alimickar & Chocolate “Som de Preto”

words:Bruno Natal
photos:Lucas Bori

Forget samba. Funk is the biggest music in the favelas (shanty towns) of Rio de Janeiro, Brazil. Not the James Brown sort of funk, something else. Call it funk carioca, favela funk, or simply funk, like the locals do.

This offspring of Miami bass, electro’s distant cousin, has been moving Rio’s youth for quite some time now. A world in itself–running independent of major labels and the media for years–funk attracts hundreds of thousands of people to balls happening all over town, sells thousands of records, and propels the biggest radio show in the country, which boasts 500,000 listeners per minute. It’s a complete culture that combines its own codes and dance styles with the clothing fads and slangs of the favelas, which often end up incorporated in the vocabulary of the whole city.

Up until the mid-‘80s, Rio’s upper class and mass media were mostly unaware of the baile funk (funk ball) phenomenon, which was promoted by soundsystem crews like Furacão 2000, Cash Box, Curtisom, and Pipo’s. Since this music was happening in the suburbs–in the poorest neighborhoods–it wasn’t perceived as relevant or important. Things begun to change when anthropologist Hermano Vianna published the book O Mundo Funk Carioca (Rio’s Funk World), the first social study of these parties, and anthems such as DJ Marlboro’s 1988 “Melô da Mulher Feia” (“Ugly Woman Song”) began receiving enormous airplay.

Funk has recently received tremendous international hype, from the massive airplay that Tejo, Black Alien & Speed’s “Follow Me, Follow Me” received in Europe (after being featured in a Nissan TV spot) to tracks on Diplo’s Favela on Blast and Piracy Funds Terrorism mixtapes reaching the ears of American hipsters. But funk isn’t brand new, and in order to understand it we have to take a few steps back.

THE BEGINNINGS OF BAILE

Brazilian culture has an anthropophagic tradition; cultural influences from all over the world are always accepted, but once they find their way in, they never stay the same. That’s what happened with samba–it fed on everything from African rhythms to waltzes to tango before it reached what is now considered the classical form; the same goes for bossa nova, which combines samba and jazz.

Funk traces its origins to the mid-‘70s, when black music parties (bailes black) began happening in the suburbs of Rio. “These parties played solely American soul music,” explains DJ Marlboro. Regarded as the godfather of favela funk, Marlboro produces a considerable amount of the tracks coming out, hosts the aforementioned radio show, and owns one of the biggest funk holdings, Big Mix, which also encompasses a label, a publishing company, a soundsystem, and a magazine. “There were other balls dedicated to rock, but by the end of the decade they went disco. When soul artists such as Kool & The Gang or The O’Jays brought a funk vibe to disco, the two bailes came together under one name: baile funk.”

Even though synthesized sounds (such as those of Kraftwerk’s “Numbers”) were already played at these parties, the real turning point was when Afrika Bambaataa’s “Planet Rock” hit the floor. The popularity of its electronically programmed beats set a whole new standard for the DJs to follow. “After 1982, with the rise of Miami bass, 2 Live Crew’s ‘We Want Some Pussy,’ Freestyle’s ‘Don’t Stop The Rock’ and ‘It’s Automatic,’ and J.J. Fad’s ‘Supersonic’ became a must,” recalls Marlboro. The bass-heavy sounds and electronic beats of these songs provided the blueprint for what was yet to come.

FAVELA TECH

Funk has always had its own distinct personality. Despite resembling the Miami sound, its hard-driving, booming reverberations seem rawer, dryer, and more metallic, the bass even more preeminent. The speakers you’ll find in Marlboro’s studio are not fancy–at first they may seem odd, cheap–but he’s not worried about how his music will sound on top-of-the-line stereos. From day one, funk has been intended for huge handmade speakers, spitting heavy bass as loud as possible.

Although Marlboro created his first tracks on a Boss DR 110, given to him by Vianna, newer drum machines (SP 1200, Roland’s TR 725 and 808) and MPCs have lead to the sampling of samba and other styles. “The most amazing aspect about funk’s use of samples is that, most of the time, [the producers] don’t have a clue about the original track,” Vianna states. “I remember once commenting to Marlboro about a ‘Rock The Casbah’ sample, but he had never heard The Clash song before. They just take things off of sample records. It’s a favela strategy–just like they don’t choose the materials they will use to build their houses, whatever is at hand gets sucked into the music.”

More meaningful than the samples are the actual lyrics. Entirely in Portuguese and with melodies closer to Brazilian folkloric chants than American rap, they have crystallized funk as its own style, while giving the slums a fresh instrument to voice their message. Funk lyrics detail ghetto realities–the struggles, the violence, the sexuality–as well as calling for peace. “All I want is to be happy/walk calmly around the favela where I was born,” say Kátia and Julinho Rasta in “Rap da Felicidade.” Of course, not all funk lyrics are quite as, uh, uplifting. Even though most of the people making funk don’t speak English, they’ve inherited 2 Live Crew’s “booty rap” vibe and down dirty lyrical content–a fact that critics can’t seem to let go of.

DANCING WITH DANGER

Rio is a city squeezed between the sea and the mountains–some of the biggest favelas are located right on Rio’s South Zone hills, where most of the upper class lives. This geographical situation means rich and poor are constantly sharing the same grounds. In 1992, a riot took place at Arpoador Beach and images of black youths running around and fighting were shown across the nation. Quickly the chaos was credited to the funkeiros, as baile goers are called.

“I have doubts about if what happened that day was really a fight,” says Vianna. “There’s a chance that maybe the crews were only reenacting the ‘theater of violence’ they do at the bailes, in the same way that punk rockers dance at concerts can be seen as violent by outsiders”.

“Notice I don’t say funkeiros,” he continues. “I say crews, groups of people from different areas. You can’t identify a funkeiro in the streets like you do with a punk rocker, for instance–unless you start calling every black, poor young kid funkeiro. Furthermore, the rivalry between these groups is a consequence of the rivalries between favelas, [which is] sometimes older than funk.”

“Society uses funk as a convenient label to unload their prejudice against the lower classes,” agrees Marlboro.

After the incident, baile funk was criminalized. Previously, bailes were held in clubs in the suburbs, where it was possible to regulate them. Suddenly, parties were forbidden, and no promoter could get a license to throw one. Promoters went to the only place they could go to get away from the officials’ eyes: the trafficker-dominated favelas.

Once funk got into the favelas, in the ‘90s, everything changed. “Before, funk was like samba, the slum singing to the rest of the city, telling them about their issues. After, it became the slum singing for the slum,” recalls Marlboro.

Some of the music developed a relationship with crime. A sub-genre of funk arose, the proibidão (very prohibited). In this gangsta rap-style funk, funkeiros sing about the drug dealers, celebrating their crime organizations. Turbulent balls began to take place with a lot of fights and gunshots. It was funk’s darkest days. Mr. Catra, one of funk’s most controversial artists, used to make proibidão tracks. “We sung what the communities wanted to hear,” he explains. “Proibidão doesn’t talk only about the drug lords, it also addresses issues of corruption, the dissatisfaction of the poor people–it’s about reality.”

Although now legal again, bailes still happen mostly in the favelas, where you can’t do anything without the drug lords’ permission. At these parties, it’s not uncommon to see 16-year-old kids with AR-15 and AK-47 automatic rifles in front of gigantic walls made of subwoofers. Out of context, this has lead some to conclude that all funk is drug trafficking music or that bailes are violent. But this is an over-simplification. Just like hip-hop and dancehall, funk is ghetto music–and the ghetto is what’s violent, not the music or the parties.

SO INTERNATIONAL

Funk had at least one chart anthem every year throughout the ‘90s, but it usually retreated back to the favelas afterwards, where it continued to appeal to millions. This trend didn’t bother Marlboro. “The best moments are when funk isn’t in the media,” he says. “When it goes mainstream, in trying to appeal to a broader audience, it moves away from its roots.”

Nothing could be further from funk’s roots than the music going international, but that’s exactly what’s happening. In the last two years, Marlboro has traveled around the world, DJing from New York’s Central Park Summer Stage to Barcelona’s Sónar Festival, as well as Boston, France, and Slovenia, among many other locations. There’s one place missing, though. “I still haven’t got a chance to play in Miami” he says. “I’d love to–it would be like visiting my own personal Africa.”

Marlboro has an explanation for all this attention. “Brazil is known worldwide for its music; ever since the electronic music explosion, people abroad have been looking out for what was gonna come from here. First came some great mixtures between drum & bass and bossa nova, but still, this was based on the past of Brazilian music blended with the present European sound. When they heard funk, they recognized it as the original Brazilian electronic music, with a Brazilian soul.” Mr. Catra, who has played in Japan, Israel, and Europe, agrees. “When we substituted the foreign beats with our own groove, it became something that could only be made here.”

BIG BALLIN’

Foreign interest in funk has helped boost a revival in the genre, which reached an important milestone with Marlboro’s 2003 performance at one of the country’s most important concerts, the TIM Festival. The general public has been paying more attention to the cultural aspects of funk, and local artists like Apavoramento, Nego Moçambique, and Tetine are bringing their own sound to it.

Lately, a lot of funk balls have flourished in clubs in Rio’s and São Paulo’s richest neighborhoods. Trailing Marlboro around to his gigs, you could be calmly sipping a beer at a club at 1AM only to find yourself deep inside a favela at 4AM. The man is an essential bridge between two worlds that desperately need to meet again to start healing the wounds of years of separation.

Meanwhile, Mr. Catra is leading the first live funk band. The sound is closer to the original ‘70s funk, but spiced up with new elements absorbed in the last decades of the music. His open rehearsals happen at Vila Show, a club located in a red light district called Vila Mimosa. When funk meets fuck, the end result is one of the most hardcore nights in town. Outsiders blend in with the regular crowd of clients and prostitutes, all of them literally shaking their asses. “It’s a way of bringing culture to a neutral ground of a divided city, where you find all kinds of people,” says Catra. “Also, it helps to elevate the self-esteem of girls who have suffered a lot.”

Marlboro welcomes the newcomers, and doesn’t resent the fact that the international support is helping to change the way Brazilians look at his music. “Samba had to go through the same process,” he acknowledges. “Funk is finally being perceived as the cultural movement that it is and one of the reasons is that the style is reaching its maturity. We are seeing the boom of a genre now, not just some songs.”

For more on funk, check the new compilations, Funk Carioca (Mr. Bongo) and Rio Baile Funk (Essay). www.mrbongo.com, www.essayrecordings.com
For more on funk, visit www.bigmix.com.br; www.fotolog.net/djmarlboro; www.fotolog.net/bailefunk.

foto: Joca Vidal

O inglês Norman Cook, o Fatboy Slim, chegou no Rio mordido. É que na última vez que tocou na cidade, no Free Jazz 2001, o dj fez um set pesadão que não agradou ninguém. Nem a ele mesmo. Na coletiva de imprensa, Fatboy contou que naquela noite “levou uma surra” do dj que tocou mais cedo, o mesmo Jon Carter que entrou antes dele ontem, na Praia do Flamengo.

Foi o dia de ir a forra. O primeiro evento do Nokia Trends (em setembro eles trazem para São Paulo o mega festival multimídia espanhol, Sónar) começou às 16h30 com o db dos djs Patife e Marky. John Carter entou na sequência e fez um set tão bom quanto o de 2001. Destaque para “Lithium”, do Nirvana, em versão um pouco diferente da que o 2ManyDJs tascou no TIM Fest, ano passado.

Às 19h, cerca de 160 mil pessoas se espremiam para assistir o Fatboy Slim. Ele abriu com uma versão de “Garota de Ipanema” e em seguida botou a tal música que fez para o Rio. Recheada de samples de músicas sobre a cidade, como “Rio”, do Duran Duran, o vocal repetia “Rio de Janeiro, Rio de Janeiro” insistentemente antes de explodir num break matador. Presentão.

Carismático, o dj se comunicava com a platéia escrevendo mensagens nas capas dos discos que apareciam no telão, como no DVD “Big Beach Boutique II”. Foi dessa forma que ele informou que nunca vai tocar “Rio” em outro lugar, mandou um alô para a turma que assistia a tudo de barcos ancorados na praia e disse que queria fazer amor com a platéia depois do show. Até um Elvis, fase Las Vegas, entrou no palco para dançar.

O set de duas horas, bem pop, foi eclético. Teve desde uma versão de “Groove is in the heart” (Dee Lite), citação a “Menino do Rio” (Caetano) e “Born Slippy” (Underworld), a várias ameaças de tocar músicas mais conhecidas, como “Seven Nation Army” (White Stripes) ou “The test” (Chemical Brothers). O dj deu show, esgarçou o mixer.

Dá para dividir o set em três “categorias”: os sambinhas eletrônicos (meio mais ou menos, felizmente foram poucos); os 4×4 quadradões, com batidas em linha reta; e, finalmente, a melhor parte, os breaks grooveados, alegres e sacolejantes. Nessa linha, além da música em homenagem ao Rio, Fatboy tocou seu remix para “Quem cagüetou?”, música do Tejo (Instituto), com vocais do Black Alien e Speed, que fez parte da trilha sonora do filme “O invasor”.

“Quem cagüetou?”, um Miami bass / ragga / funk, está estourada na Europa desde o ano passado, quando serviu de trilha para um comercial da Nissan. A música chamou mais atenção do que propaganda, acabou sendo lançada como single e ganhou remixes de grandes nomes da música eletrônica.

O break beat parece ser a bola da vez. A música eletrônica passa por uma crise criativa (conversei sobre isso com o próprio Fatboy, em entrevista que sai na Revista da MTV de abril) e atualmente a mistura de gêneros aparece como solução. O break beat é um estilo perfeito para esse tipo de cruzamento. Isso acontecendo, aqui no Brasil a aposta mais sensata é o Apavoramento Sound System (parece que algúem já fez a aposta). Quem viu o show deles no TIM Fest sabe bem disso.

O momento funk se estendeu com a versão de “Whoomp! There it is”, a famosa “Uh, tererê”. É impressionante como o ritmo contagia, principalmente aqui no Rio. O público, que já estava dançando bastante, pulou ainda mais ao ouvir o pancadão. Fatboy mostrou que dessa vez pesquisou bastante o que tocar e acertou em cheio.

Na área de imprensa, colada nas caixas, o som estava bom. Mas houve bastante reclamação quanto ao volume, muito baixo segundo quem estava na praia, afastado do palco. Ao invés das laterais, a área vip ocupava o espaço em frente ao palco, criando um faixa que separava os djs da platéia. Nesse ponto as opiniões do público se dividiram. Para uns a festa foi bancada pela Nokia e eles têm o direito de chamar quem quiser, para outros a multidão presente deveria ter a chance de ficar mais perto, afinal a cidade era o cenário da festa.

A noite terminou cedo, às 21h, com uma queima de fogos para emoldurar a lua cheia e um papo de “ano que vem tem mais”. Tomara.